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Jul 05, 2023

Clasificación de canciones de ABBA de 'Super Trooper', 'Mamma Mia', 'Dancing Queen'

Por Rob Sheffield Es oficial: este es el verano de ABBA. El éxito de taquilla Mamma Mia 2: Here We Go Again trajo el espectáculo de Cher cantando “Fernando”. Probablemente eso te envió de regreso al original.

Por Rob Sheffield

Es oficial: este es el verano de ABBA. El éxito de taquilla Mamma Mia 2: Here We Go Again trajo el espectáculo de Cher cantando “Fernando”. Eso probablemente te envió de regreso a Mamma Mia original; sí, incluso a la escena en la que Meryl Streep y Pierce Brosnan hacen un dueto en “SOS”. Sin embargo, eso de alguna manera te deja con hambre de más. Los sabios del pop suecos dominaron la radio de los años 70, invasores que venían de la tierra del hielo y la nieve para convertirse en el acto más vendido de su tiempo. Björn Ulvaeus, Benny Andersson, Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad eran como un modelo escandinavo de Fleetwood Mac, dos matrimonios con trajes de pantalón blancos y botas de plataforma que acumulaban un golpe tras otro sobre su ruptura y su desmoronamiento.

Bajo la deslumbrante superficie, estos Björn futuros suecos salvajes estaban llenos de angustia y desesperación. Pero sus éxitos son sólo el comienzo: sus álbumes están llenos de tesoros enterrados. Acaban de anunciar que se reunirán y lanzarán su primer álbum nuevo en 40 años, algo que los fanáticos de ABBA pensaron que nunca sucedería. Así que analicémoslo con un saludo a los dioses nórdicos: las 25 mejores canciones de ABBA, clasificadas. Los éxitos y los fracasos, los cortes profundos y los favoritos de los fanáticos, lo sublime y lo ridículo. La noche es joven y la música está alta.

Björn era el del flequillo. Benny era el de la barba. Anni-Frid era la morena. Agnetha era la rubia. Björn y Benny escribieron los éxitos; Anni-Frid y Agnetha cantaron la mayor parte. Björn se casó con Agnetha. Benny se casó con Anni-Frid. Ambas parejas se divorciaron y derramaron su corazón en canciones lacrimógenas melódicas como “Super Trouper”, la balada de una diva en la carretera que sufre su vida solitaria (“Todo lo que hago es comer, dormir y cantar/Deseando que cada show fuera el último espectáculo"). Pero en el momento en que sube al escenario, se traga todo su dolor y lo finge ante los fans, porque eso es lo que hacen las estrellas. La angustia de la mediana edad detrás de una máscara reluciente: esa es toda la historia de ABBA.

¿Quién más pondría una canción llamada “Disillusion” en su primer álbum? El mundo debería haber sabido desde el principio cuán oscuro podría volverse ABBA. Es la primera (y última) vez que Agnetha obtiene crédito como compositora de una canción de ABBA, y canta “Disillusion” como si ya viera venir los malos tiempos.

Entran los años ochenta. “Under Attack” es su última batalla, el single de despedida lanzado a finales de 1982, justo cuando el grupo se estaba desmoronando y la música se estaba volviendo decididamente espeluznante. Lo grabaron para su canción de natación The Singles: The First Ten Years, aunque ya sabían que no habría segundos 10 años. Con ambos divorcios en los libros y sus ventas cayendo, “Under Attack” es una fría alucinación de synth-pop sobre ser perseguido por la calle por un amante fantasma, con ese malvado gancho de vocoder.

Una explosión de sintetizador/guitarra protoindustrial con el coro de headbanger: “¡Tiene que ser rock & roll! ¡Para llenar el vacío de tu alma! ¿Sería posible que el joven Trent Reznor estuviera tomando notas? (Es casi impensable que no lo fuera). Un corte profundo de su álbum de art-rock de 1977, titulado hilarantemente The Album, “Hole in Your Soul” rechina como una bonita máquina de odio.

La obra de ABBA está llena de alienación (“Sentado en una palmera”), miseria (“Tropical Loveland”) y temor mórbido por la extinción de toda la raza humana (“Feliz año nuevo”). Pero en “Cuando besé a la maestra”, se enfrentan al sistema educativo sueco. Es una melodía inocente sobre una colegiala que ya no puede soportar su sed por el astuto profesor de geometría. Sí, los años setenta fueron raros.

El lado oscuro de la vida nocturna de ABBA: esas espeluznantes cuerdas electrónicas insinúan todo tipo de travesuras desesperadas y enloquecidas por el sexo en los bares nocturnos de Estocolmo. El sonido death-disco de “Gimme! ¡Dame! ¡Dame!" fue influyente en la música dance euro-sórdida de los años ochenta, como lo ejemplifica Leather Nun, que versionó esta canción en 1986 y la convirtió en un sucio tema de club underground. (The Leather Nun fue más famosa por “FFA”, una oda al fisting con eslóganes como “¡Vamos a golpear otra vez!” y “¡Puño y gritamos!”). Madonna probó el gancho del sintetizador para su glorioso éxito de regreso de 2006, “Hung Up”, capturando toda la frenética decadencia del original.

Un típico triángulo amoroso de ABBA: una chica tímida se enamora de un chico que ni siquiera se da cuenta de ella porque está demasiado ocupado tocando su fiel violín. (“Estás tan triste/Y sólo sonríes/Cuando tocas el violín”). ¿Alguna vez ella ocupará el lugar del violín en su corazón? ¿O simplemente seguirá cantando “Dum dum diddle, tu querido violín”? “Dum Dum Diddle” resume el encanto vulnerable que convirtió a ABBA en héroes para niños de los setenta como Kurt Cobain; Es famoso por invitar a la banda tributo Bjorn Again a abrir el concierto de Nirvana.

En 1977, el director de ABBA, Stig Anderson, dijo a Rolling Stone que le preguntó al director sueco Ingmar Bergman por qué no utilizaba la música pop de su tierra natal en sus películas. “Él no dijo nada. Pero su siguiente película se llamó El silencio”. La colaboración entre Ingmar y Agnetha nunca sucedió, trágicamente, pero “One of Us” es el melodrama más bergmaniano del grupo: escenas de un matrimonio sobre un alegre ritmo tropical que inventó Ace of Base sin ayuda de nadie. (No es coincidencia que fuera el primer sencillo que Abba lanzó después de que ambos divorcios fueran definitivos). Cher ya ha anunciado que hará "One of Us" en su próximo álbum de covers de ABBA; habla sobre una canción que es perfecta para ella.

Un demencial pisotón de acordes de glam-rock: "Hacemos la canción de King Kong, tenemos que cantar / ¿No puedes oír el ritmo del tom-tom del mono?" Este es el tipo de éxito de taquilla brillante que dominaba las listas del Reino Unido de bandas como Slade o The Sweet, excepto (como siempre) que ABBA lo hizo a su manera. Advierten: “Lo que vamos a cantar es un poco funky”, ampliando para siempre la definición de “un poco”.

Björn comenzó en el impecable grupo folk sueco llamado Hootenanny Singers. “El peor nombre que jamás haya tenido un grupo”, dijo una vez. "Es tan feo, posiblemente sólo superado por ABBA". En “Money, Money, Money”, realmente se puede escuchar ese sonido de canto schlager centroeuropeo que hizo que ABBA fuera tan extraño y exótico para los oídos estadounidenses. Pero incluso cuando lo animan al estilo Schlager, se muestran característicamente fríos ante el ansia de botín, gritando: "Es un mundo de hombres ricos". Un tema apropiado para la exportación sueca de mayor recaudación de este lado de Volvo: el efectivo gobierna todo en torno a Mamma Mia.

Tradicionalmente, la última canción grabada por un gran grupo pop tiende a ser un fracaso: piense en “I Me Mine” de los Beatles o “I Keep Mine Hidden” de los Smiths. Pero el último momento de ABBA juntos en el estudio es una extraña joya de onda oscura. Agnetha narra minuto a minuto la banalidad de un día en la vida de una oficinista sueca que mira Dallas y lee novelas feministas. (“El último de Marilyn French o algo por el estilo”). No tiene idea de que su monótona vida está a punto de cambiar. ¿Para mejor? ¿Para peor? Nunca lo descubrimos. “The Day Before You Came” suena asombrosamente como Depeche Mode alrededor de Violator; podría ser un borrador de “Policy of Truth” o “World In Your Eyes”. Agnetha grabó su voz en el estudio con las luces apagadas y luego, una vez terminada la canción, salió por la salida. Perfecto.

Algunas de las mejores canciones de ABBA son los rockeros en los que Agnetha y Anni-Frid advierten a transeúntes inocentes sobre el feroz poder de su deseo sexual. (Ver también “Rock Me” o “Bang-a-Boomerang”.) En “Tiger”, son un par de felinos devoradores de hombres que merodean por la jungla de cemento de Estocolmo en busca de sangre fresca. “¡Si te encuentro/Y si te como/Soy el tiiiigrerrrr!” También termina con una explosión: esos gritos espeluznantes.

Qué frase de apertura: "No soy nada especial; de hecho, soy un poco aburrido". ABBA resume su filosofía con su canción de amor más sincera: una balada que promete su devoción a la música misma, al único amante que nunca los defraudó. Si comparas “Thank You For The Music” con “The Spirit of Radio” de Rush, puedes notar algunas afinidades intrigantes entre estas dos bandas aparentemente opuestas. ¿Eran Björn, Benny, Agnetha y Anni-Frid la fiebre sueca? ¿O Geddy, Neal y Alex eran los ABBA canadienses?

¿Puedes oír los tambores, Fernando? Este éxito fue una de sus baladas más grandes, la historia de camaradas guerrilleros tocando guitarras alrededor de una fogata bajo las estrellas, luchando contra una revolución en un país en algún lugar de la frontera entre Suecia y México. En Mamma Mia 2, Andy García interpreta a un tipo llamado Fernando solo para darle a Cher una excusa para cantarlo, como si la necesitara. Antes de la versión de ABBA, Anna-Frid cantó originalmente "Fernando" en su álbum solista de 1975, que también tenía sus versiones en sueco de "Would't It Be Nice?" de los Beach Boys. y “¿Vida en Marte?” de Bowie.

La explosión de Björn-core “¿Lo sabe tu madre?” es esa rareza de las rarezas: una canción de los setenta sobre rechazar a una groupie porque es demasiado joven. Habla de estar fuera de sintonía con los tiempos. (Este fue un éxito de radio casi al mismo tiempo que “Hot Legs” de Rod Stewart, “Hot Blooded” de Foreigner, “Hot Child in the City” de Nick Gilder y varios miles de otros éxitos moralmente inaceptables con “hot” en el título.) En toda Suecia, cada pueblo tiene al menos una abuela de sesenta y tantos que todavía jura que fue la tentadora que inspiró a Björn a preguntar: "¿Sabe tu madre que estás fuera?".

Cuando empezaron, ABBA era un cuarteto de folkie exactamente tan prometedor como cualquier otro grupo sueco, es decir, nada en absoluto. Hasta que este descarado tributo a Bowie se convirtió en la entrada de su tierra natal en 1974 en el festival anual del queso conocido como el Festival de la Canción de Eurovisión. “Waterloo” no sólo ganó el premio, sino que le dio fama mundial a ABBA: se convirtió en su primer éxito estadounidense, colocándose entre los diez primeros. Estos niños todavía estaban un poco fuera de su fiordo cuando se trataba de cantar en inglés (“El libro de heeeestory en el estante/Siempre se repite”), pero eso no hizo más que aumentar el encanto. Actuaron en el quinto episodio de un nuevo programa de televisión estadounidense llamado Saturday Night Live, sincronizando los labios con “Waterloo” a bordo del Titanic.

Muchos pares de auriculares estéreo de la vieja escuela quedaron destruidos cuando los niños se acercaron a esa introducción de 20 segundos, una ráfaga a capella de voces de niño y niña intrincadamente superpuestas. “Take a Chance on Me” es una invitación burbujeante con algunas de las súplicas más sensuales de Agnetha. Especialmente cuando susurra: "Vamos, dame un respiro, ¿quieres?". “Take a Chance on Me” resume su precisión tecnocrática en cada detalle. Erasure consiguió un éxito con su brillante versión de su éxito de 1992, ABBA, un punto de inflexión para el gran resurgimiento de Abba en los años noventa.

La balada de ruptura para poner fin a todas las baladas de ruptura, y una presentación en solitario para Agnetha, quien la enciende sobre el piano lloroso. “The Winner Takes It All” es un hito en la película original Mamma Mia, pero también tiene un momento conmovedor en otra película: The Trip, donde Steve Coogan y Rob Brydon son dos idiotas ingleses de mediana edad conduciendo por la carretera. , canturreando la letra el uno al otro, tratando de descubrir cómo sus sueños de juventud fueron tan derrotados. Prueba de que hay una canción de ABBA que acompaña a cada crisis emocional.

ABBA siguió volviéndose más extraño, más espeluznante y más nihilista con cada disco, hasta llegar a este clásico perdido de la paranoia del synth-pop creep-wave de los años ochenta. “The Visitantes” son seis minutos de electro-nervios de color rosa gélido: las chicas cantan sobre estar atrapadas en una casa embrujada (“Estas paredes han sido testigos de toda la angustia de la humillación”) y cantan “¡riéndose a carcajadas!” sobre los latidos del robot. “The Visitantes” nunca fue un gran éxito y no formó parte de la banda sonora de ninguna de las películas, pero es una prueba de que ABBA siguió experimentando hasta el final.

Un himno de glam-rock para las madres divorciadas de la casa, no un grupo demográfico que recibiera mucho cariño en la radio antes de que apareciera ABBA. “Hey, Hey Helen” es una de las primeras canciones pop que se puso al día con la explosión feminista de los años 70 (“El precio que pagaste/Para convertirte en una mujer de hoy”). Anni-Frid y Agnetha salen disparadas de sus pantalones acampanados mientras animan a Helen en su búsqueda. Si alguna vez dudas del poder del rock de ABBA, observa cómo este riff era lo suficientemente pesado como para que Kiss lo usara para “Calling Dr. Love”. (¿Qué puede significar que Gene Simmons se haya robado la canción feminista más explícita de Björn y Benny? Podría simplemente significar que Gene tenía buen gusto, ya que es un fanático descarado de ABBA). “Hey, Hey Helen” fue una omisión impactante en la primera Mamma Mia, pero maldita sea, definitivamente es la mejor canción de ABBA que queda fuera de ambos. Esperemos que lo guarden para una explosión completa de Cher/Meryl/Baranski en Mamma Mia 3: Si pudiera regresar el tiempo.

Björn y Benny, maestros del movimiento de poder del xilófono. “Mamma Mia” muestra su genio al incluir tantos giros sonoros en una sola canción: es un álbum de grandes éxitos en tres minutos y medio, un delirio enamorado que te deja exhausto, mareado y deseando más. “Mamma Mia” sonó demasiado extranjera para la radio estadounidense en ese momento: demasiado europea, demasiado hiperactiva. Apenas llegó al Top 40, una sorpresa considerando lo importante que ahora ocupa su leyenda. Pero fue verdaderamente pop de vanguardia. Si dejas caer la aguja en cualquier lugar de Low o Heroes de David Bowie, es obvio que Thin White Duke era solo otro fan que no podía quitarse esta maldita canción de la cabeza.

Pon esto seguido de cualquier tema de Joy Division o de los primeros Cure y podrás escuchar lo gótico que era ABBA. “SOS” define la brillante melancolía nórdica que los hizo tan influyentes para los artistas de la nueva ola y el postpunk que les siguieron, mientras esas solitarias notas de piano se acumulan en una sobrecarga de grandilocuencia de sintetizador. (Detalle trivial y geek: también es el único éxito en la historia en el que tanto el título de la canción como el intérprete son palíndromos). “ABBA fue una de las primeras grandes bandas internacionales en lidiar con problemas de mediana edad al escribir canciones. ”, confesó el improbable fan Pete Townshend a Rolling Stone en un artículo de portada de 1982. “Recuerdo haber escuchado 'SOS' en la radio de Estados Unidos y darme cuenta de que era ABBA. Pero ya era demasiado tarde porque ya estaba transportado por ello”.

Después de haber probado todo lo demás una o dos veces, ABBA hizo su gran declaración progresiva en la obra de 1977 que modestamente titularon The Album. El resultado: "El nombre del juego", una epopeya exagerada con fliscornos, órgano de iglesia y un espeluznante coro de duendes que susurra "doo-doo-doo". Pero como muchas de sus canciones, es la historia de una chica tímida que se arma de valor para pavonearse con un poco más de confianza. También tiene su letra más proto-Taylor Swift: esta “niña tímida” se pasa toda la canción cavilando obsesivamente sobre un objeto que le gusta que ha conocido exactamente dos veces. Cuando las damas obtuvieron el pago: “¡Quiero saber! ¡Oh sí, quiero saber! ¡El nombre del juego!" - es ABBA en su forma más abierta.

Trajes pantalón de lycra ceñidos y desamor trágico: la combinación definitiva de ABBA. Como Carole King en Tapestry o Fleetwood Mac en Rumours, ABBA superpone sus exuberantes armonías de los años 70 para besar un matrimonio roto. Agnetha y Anni-Frid recorren una casa vacía y llena de recuerdos, despidiéndose de las habitaciones donde solían jugar sus hijos. “Knowing Me, Knowing You” salta del silencio a un melodrama de mega hormigueo en el coro; ese “aaah-haaaaa” lo asegura. El clímax: ese cambio de rumbo en el punto de tres minutos, el sonido de una mujer que se detiene para echar un último vistazo a esa casa y luego gira sobre sus talones para salir antes de cambiar de opinión.

A veces, la canción más famosa de una banda también es la mejor. Dado que ABBA era la estrella del pop más pop y hacía música que pertenecía absolutamente a todos, tiene sentido poético que su momento más brillante sea también el más querido universalmente. “Dancing Queen” es un himno de bola de espejos para cada soñador que en su mente es una diosa disco, incluso si todos los demás en la ciudad simplemente ven a un niño desgarbado en la pista de baile. Oh, la forma en que las voces de las damas estallan de alegría cuando tocan la línea “pandereta… ¡oh YEEEAAAH!” (Nadie jamás acariciará la palabra “pandereta” como Agnetha y Anni-Frid.) Ese remolino de piano inicial puede desencadenar una descarga de feromonas en cualquier ser humano que sepa lo que significa (1) bailar (2) bailar y/o (3 ) se divierten como nunca en una pista donde las niñas dirigen el mundo y los niños son solo accesorios desechables. (“Cualquiera podría ser ese tipo”, una quemadura de marca ABBA). Mira a esa chica. Mira esa escena. Excavando a la reina del baile, para siempre.